繪畫[畫畫]

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繪畫(Drawing 或Painting)在技術層面上,是一個以表面作為支撐面,再在其之上加上顏色的做法,那些表面可以是紙張或布,加顏色的工具可以通過畫筆、也可以通過刷子、海綿或是布條等。 在藝術用語的層面上,繪畫的意義亦包含利用此藝術行為再加上圖形、構圖及其他美學方法去達到畫家希望表達的概念及意思。 繪畫在美術中占大部分。

基本信息

史前岩石壁畫

南宋 夏圭《雪堂客話圖》 南宋 夏圭《雪堂客話圖》

法國拉斯科(Lascaux)描繪原牛的石洞壁畫

已知最古老的繪畫位於法國肖維岩洞(Grotte Chauvet),部分歷史學家認為它可以追溯至32000年前。那些畫經由紅赭石(red ochre)和黑色顏料作雕刻及繪畫,主題有馬、犀牛、獅子、水牛、猛獁象或是打獵歸來的人類。石洞壁畫在世界各地均十分常見,例如法國、西班牙、葡萄牙、中國、澳大利亞及印度等。

印度繪畫,印度藝術是印度次大陸中不同藝術學派的一個總稱。印度繪畫的種類十分廣泛,例如有埃洛拉石窟的大型濕壁畫、錯綜複雜的莫臥兒微型畫、坦賈武爾學派的金屬裝飾畫。腱陀羅(Gandhar)至塔克西拉(Taxila)的繪畫受到西方伊朗藝術的影響。而有東方特色的繪畫則在那爛陀藝術學派附近發展。那些作品大部分都受到印度神話的不同場景所啟發。

國繪畫又名國畫,是現代人為區別於西洋畫而對中國傳統繪畫的泛稱。它包括捲軸畫、壁畫、年畫、版畫等各種各樣的門類。有時特指以中國獨有的筆墨等工具材料按照長期形成的傳統而創作的繪畫。中國畫現分為三大畫科:人物畫、山水畫、花鳥畫;有工筆與寫意兩大種畫法;有卷、軸、冊、屏等多種裝裱形制。

繪畫[畫畫] 繪畫[畫畫]

最早的印度繪畫為史前時期的岩石壁畫(Petroglyph),其發現地點位於比莫貝卡特石窟(Rock Shelters of Bhimbetka),部分年代可以追溯至前5500年。它在幾千年間直到7世紀不斷有壁畫完成,當中突出的例子有阿旖陀石窟中雕刻柱上的印度繪畫,它主要由礦物中提煉出來的紅色及橙色顏料組成。印度馬哈拉施特拉邦的阿旖陀石窟為前2世紀的石切建築(Rock cut architecture),在其中收藏了被認為在佛教宗教藝術上及通用圖像藝術上均可被稱為傑作的繪畫及雕刻。

印度繪畫的“六支”

印度繪畫 印度繪畫

在前1世紀,印度的繪畫發展出謝丹伽(sadanga),意即"六支",說明了印度傳統繪畫的六種法則。3世紀哲學家伐蹉衍那(Vātsyāyana)的著作《欲經》中在13世紀加入的一條注釋列舉了以上六點:

1.形別(Rupabheda),對於對象外形的認知。

2.諸量(Pramanam) ,對於對象的大小及結構有正確的認識。

3.情(Bhava),對於對象外形的感覺。

4.美(Lavanya Yojanam),加入優雅及藝術性的表現方法去表達對象。

5.似(Sadrisyam),與對象的相似性。

6.筆墨(Varnikabhanga),以藝術性的手法使用顏色及畫筆。

從其後出現的佛教繪畫可以看出六支被後期出現的印度畫家採用,並成為他們作品的基本元素。

中世紀

中世紀的印度繪畫開始發生幾個重大的轉變,其原因是受到伊朗藝術的影響。在此期間印度繪畫出現了不同的學派,包括:

德乾小型畫畫派(Deccan School of Miniature Painting),受到波斯及土耳其影響並溶合了當地元素而成。名作有胡塞因·沙黑手稿(Husayan Shahi Manuscript)、拉迦瑪拉(Ragamala)等。

岡格拉畫派(Kangra School),由拉傑普特人(Rajput)提倡的帕哈里繪畫(Pahari painting)畫派,並成為帕哈里繪畫的發展中心。當中最著名的主題為黑天與羅陀(Radha)的傳說。

莫臥兒畫派(Mughal)。

拉傑普特畫派(Rajput)。

中世紀後期則由有"印度寫實畫之父"之稱的拉加·拉維·維馬(Raja Ravi Verma)所主導。中世紀代表畫家:達·芬奇、拉斐爾、倫勃朗

十八世紀

現代的印度繪畫在20世紀出現,並受到歐洲的影響而出現了孟加拉畫派。此時的印度繪畫特色為表現出高度的個人主義,而這時的印度畫家亦人才輩出,有加入了中國及日本風格的阿巴寧德羅納特·泰戈爾(Abanindranath Tagore),與及其他多才多藝的有名畫家如羅賓德拉納德‧泰戈爾(Rabindranath Tagore)、難陀婆藪(Nandalal Bose)、賈米尼·羅(Jamini Roy)等。  

繪畫(painting)在藝術層面上,是一個以表面作為支撐面,再在其之上加上顏色的行為,那些表面的例子有紙張、油畫布(canvas)、木材、玻璃、漆器或混凝土等。在藝術用語的層面上, 繪畫的意義亦包含利用此藝術行為再加上圖形(drawing)、構圖及其他美學方法去達到表現出從事者希望表達的概念及意思。

繪畫體系

古代繪畫

古代繪畫 古代繪畫

一般認為,從古埃及和中國等東方文明古國發展起來的東方繪畫,與從古希臘、古羅馬發展起來的以歐洲為中心的西方繪畫,是世界上的兩大繪畫體系。這兩大繪畫體系在歷史上互有影響,對人類文明都作出了各自獨特的重要貢獻。繪畫本身的可塑性決定了它具有很大的自由創造度,它既可以表現現實的空間世界,也可以表現逾時空的想像世界,畫家可以通過繪畫來表現對生活和理想的各種獨特的情感和理解,因為繪畫是可視的靜態藝術,可以長期對畫中具有美學性的形式和內容進行欣賞、玩味、體驗,所以它是人們最容易接受而且最喜愛的一種藝術。

中國繪畫

明 張宏《青綠山水圖》 明 張宏《青綠山水圖》

中國繪畫,分工筆畫和寫意畫兩科,也有兼工帶寫。這三種不同的表現形式,工筆畫用筆工整細緻,敷色層層渲染,細節明徹入微,要用極細膩的筆觸,描繪物象。寫意畫用簡練、豪放、灑落的筆墨,描繪物象的形神,抒發作者的感情。寫意畫在表現對象上是運用概括、誇張的手法,豐富的聯想,用筆雖簡,但意境深遠,具有一定的表現力。它要有高度概括能力,要有以少勝多的含蓄意境,落筆要準確,運筆熟練,能得心應手,意到筆隨。從唐代起就有這兩種繪畫風格。有的介於兩者之間,兼工帶寫,如在一幅畫中,松行用寫意手法,樓閣用工筆,使兩者結合起來,發揮用筆、用墨、用色的技巧。按世界性文化藝術進程,中國繪畫廣義地指傳統中國畫,既有狹義的相互獨立,也有廣義地與西方美術融合融匯,其主要表現為藝術構思和圖畫寓意的顯著不同。

引證解釋

明 張宏《西山爽氣圖》(局部) 明 張宏《西山爽氣圖》(局部)

1、造形藝術的一種。用色彩和線條在紙、布、牆壁或其他平面上繪寫事物形象。明朝胡應麟 《少室山房筆叢·九流緒論上》:“藝主書、計、射、御,而博弈、繪畫諸工附之。”魯迅《書信集·致李樺》:“就繪畫而論,六朝以來,就大受 印度 美術的影響,無所謂國畫了。”沈從文《從文自傳·預備兵的技術班》:“若機會許可他上外國去學藝術,在繪畫方面的成就,會成一顆放光的星子。”

2、作畫。 唐韓愈 《進撰表》:“乾坤之容,日月之光,知其不可繪畫,強顏為之,以塞詔旨。” 宋蘇軾《怪石供》:“今齊安江上,往往得美石,與玉無辨,多紅黃白色,其紋如人指上螺,精明可愛,雖巧者以意繪畫有不能及,豈古所謂怪石者耶?” 清富察敦崇《燕京歲時記·燈節》:“各色燈彩多以紗絹、玻璃及明角等為之,並繪畫古今故事,以資玩賞。” 魯迅 《且介亭雜文·連環圖畫瑣談》:“沒有和地球一樣大小的紙張,地球便無法繪畫。”

明 張宏《閶門舟阻圖》扇 明 張宏《閶門舟阻圖》扇

繪畫,按工具材料和技法的不同,以及文化背景的不同,分為中國畫、油畫、版畫、水彩畫、水粉畫等主要畫種。中國畫又按技法的工細與粗放,分為工筆畫和寫意畫。版畫又根據版材的不同,分為木版畫、銅版畫、紙版畫、石版畫、絲網版畫等;版畫還依製版方法和印色技法分類,常見的有腐蝕版畫 、油印木刻、水印木刻、黑白版畫、套色版畫等。

以上畫種,又依描繪對象的不同,分為人物畫、風景畫 、靜物畫等。人物畫又依據描繪題材內容的不同,分為肖像畫、歷史畫、宗教畫、 風俗畫、軍事畫、人體畫等。

繪畫,是指用筆、板刷、刀、墨、顏料等工具材料,在紙、紡織物、木板、牆壁等平面(二度空間)上塑造形象的藝術形式。現代可以通過計算機軟體用滑鼠手寫板進行數碼繪圖,實現無紙化數字圖像保存,避免了資源的浪費。也使得觀看照片更加方便、美觀。

繪畫類型

水墨畫

明 張宏《華子岡圖》(局部) 明 張宏《華子岡圖》(局部)

水墨畫(Chinese Brush Painting)是由水和墨經過調配水和墨的濃度所畫出的畫,是繪畫的一種形式,更多時候,水墨畫被視為中國傳統繪畫,也就是國畫的代表。也稱國畫,中國畫。基本的水墨畫,僅有水與墨,黑與白色,但進階的水墨畫,也有工筆花鳥畫,色彩繽紛。後者有時也稱為彩墨畫。在中國畫中,以中國畫特有的材料之一,墨為主要原料加以清水的多少引為濃墨、淡墨、乾墨、濕墨、焦墨等,畫出不同濃淡(黑、白、灰)層次。別有一番韻味稱為“墨韻”。而形成水墨為主的一種繪畫形式。

水墨畫,是中國繪畫的代表,也就是狹義的“國畫”,並傳到東亞其他地區。基本的水墨畫,僅有水與墨,黑與白色,但進階的水墨畫,也有工筆花鳥畫,色彩繽紛,後者有時也稱為彩墨畫。中國水墨畫的特點是:近處寫實,遠處抽象,色彩微妙,意境豐富。

油畫

油畫(an oil painting;a painting in oils),是以用快乾性的植物油(亞麻仁油、罌粟油、核桃油等)調和顏料,在畫布亞麻布,紙板或木板上進行製作的一個畫種。作畫時使用的稀釋劑為揮發性的松節油和乾性的亞麻仁油等。畫面所附著的顏料有較強的硬度,當畫面乾燥後,能長期保持光澤。憑藉顏料的遮蓋力和透明性能較充分地表現描繪對象,色彩豐富,立體質感強。油畫是西畫主要畫種之一。

版畫

版畫(print) 是視覺藝術的一個重要門類。廣義的版畫可以包括在印刷工業化以前所印製的圖形普遍具有版畫性質。當代版畫的概念主要指由藝術家構思創作並且通過製版和印刷程式而產生的藝術作品,具體說是以刀或化學藥品等在木、石、麻膠、銅、鋅等版面上雕刻或蝕刻後印刷出來的圖畫。版畫藝術在技術上是一直伴隨著印刷術的發明與發展的。古代版畫主要是指木刻,也有少數銅版刻和套色漏印。獨特的刀味與木味使它在中國文化藝術史上具有獨立的藝術價值與地位。

水粉畫

水粉畫,是用水調合粉質顏料描繪出來的圖畫。水粉顏色一般不透明,有較強的覆蓋能力,可進行深細緻的刻畫。運用得當,能兼具油畫的渾厚和水彩畫的明快這二者的藝術效果。

壁畫

繪在建築物的牆壁或天花板上的圖畫。分為粗底壁畫、刷底壁畫和裝貼壁畫等。壁畫是最古老的繪畫形式之一,埃及、印度、巴比倫保存了不少古代壁畫,義大利文藝復興時期,壁畫創作十分繁榮,產生了許多著名的作品。我國自周代以來,歷代宮室乃至墓室都有飾以壁畫的制度;隨著宗教信仰的興盛,又廣泛套用於寺觀、石窟(例如敦煌莫高窟、芮城永樂宮,至今大量保存著著名的佛教壁畫和道教壁畫遺蹟。)

漫畫

漫畫是繪畫種類之一,又稱諷刺畫。高速畫一詞來源於義大利文Caricare,義為誇張,後來演變為專指具有諷刺和滑稽意味的圖畫,即Caricature一詞。通過誇張、變形、假定、比喻、象徵等手法,以幽默、風趣、詼諧的藝術效果,表現、諷刺、批評(或歌頌)現實生活中的人和事。

工筆畫

工筆畫是以精謹細膩的筆法描繪景物的中國畫表現方式。工筆畫須畫在經過膠礬加工過的絹或宣紙上。 工筆畫一般先要畫好稿本,一幅完整的稿本需要反覆地修改才能定稿,然後復上有膠礬的宣紙或絹,先用狼毫小筆勾勒,然後隨類敷色,層層渲染,從而取得形神兼備的藝術效果。唐代花鳥畫傑出代表邊鸞能畫出禽鳥活躍之態、花卉芳艷之色。作《牡丹圖》,光色艷發,妙窮毫釐。仔細觀賞並可確信所畫的是中午的牡丹,原來畫面中的貓眼有“豎線”可見。又如五代畫家黃筌寫花卉翎毛因工細逼真,呼之欲出,而被蒼鷹視為真物而襲之,此見於《聖朝名畫評》 :“廣政中昶命筌與其子居農於八卦殿畫四時山水及諸禽鳥花卉等,至為精備。其年冬昶將出獵,因按鷹犬,其間一鷹, 奮舉臂者不能制,遂縱之,直入殿搏其所畫翎羽。”

工筆畫在唐代已盛行起來。所以能取得卓越的藝術成就的原因,一方面繪畫技法日臻成熟,另一方面也取決於繪畫的材料改進。初唐時期因絹料的改善而對工筆畫的發展起到了一定的推動作用,據米芾的《畫史》所載:“古畫至唐初皆生絹,至吳生、周、韓斡,後來皆以熱湯半熟,入粉捶如銀板,故作人物,精彩入筆。”中國的工筆畫歷史悠久,從戰國到兩宋,工筆畫的創作從幼稚走向了成熟。工筆畫使用“盡其精微”的手段,通過“取神得形,以線立形,以形達意”獲取神態與形體的完美統一。在工筆畫中,無論是人物畫,還是花鳥畫,都是力求於形似,“形”在工筆畫中占有重要的地位。與水墨寫意畫不同,工筆畫更多地關注“細節”,注重寫實,唐代周昉的《簪花仕女圖》、《揮扇仕女圖》,張萱的《搗練圖》、《虢國夫人遊春圖》描繪的都是現實生活,這些作品不僅具有很強的描寫性,而且富有詩意。明末以後,隨著西洋繪畫技法傳入中國,中西繪畫開始相互借鑑,從而使工筆畫的創作在造型更加準確的同時,保持了線條的自然流動和內容的詩情畫意。

寫意畫

寫意畫是用簡練的筆法描繪景物。寫意畫多畫在生宣上,縱筆揮灑,墨彩飛揚,較工筆畫更能體現所描繪景物的神韻,也更能直接地抒發作者的感情。寫意畫又分小寫意與大寫意。寫意畫是融詩、書畫、印為一體的藝術形式。揚州八怪之一的李鱓,喜在畫上作題跋 ,長長短短,錯落有致,使畫面更加充實,也使氣韻更加酣暢。“畫不足而題足之,畫無聲而詩聲之,互相為用”(葛金《愛日吟廬書畫錄》),既反映了李繪畫的實際,也體現了寫意畫的基本特點。寫意畫是在長期的藝術實踐中逐步形成的,其中文人參與繪畫,對寫意畫的形成和發展起了積極的作用。相傳唐代王維因其詩、畫俱佳,故後人稱他的畫為畫中有詩,詩中有畫,他一變勾斫之法,創造了水墨淡,筆意清潤的潑墨山水。董其昌尊他為“文人畫”之祖。五代徐熙先用墨色寫花的枝葉蕊萼,然後略施淡彩,開創了徐體"落墨法"。

之後宋代文同興"四君子"畫風,明代林良開“院體”寫意之新格,明代沈周善用濃墨淺色,陳白陽重寫實的水墨淡彩,徐青藤更是奇肆狂放求生韻。經過長期的藝術實踐,寫意畫代已進入全盛時期。經八大、石濤、李鱓、吳昌碩等發揚光大,如今寫意畫已是影響最大、流傳最廣的畫法。 寫意畫主張神似。董其昌有論:“畫山水唯寫意水墨最妙。何也?形質畢肖,則無氣韻;彩色異具,則無筆法。”明代徐渭題畫詩也談到:“不求形似求生韻,根據皆吾五指裁。” 寫意畫注重用墨。如徐渭畫墨牡丹,一反勾染烘托的表現手法,以撥墨法寫之。元代吳鎮論畫有云:“墨戲之作,蓋士大夫詞翰之餘,適一時之興趣,與夫評畫者流,大有寥廓。嘗觀陳簡齋墨梅詩云:“意足不求顏色似,前身相馬九方皋。此真知畫者也。

抽象畫

抽象繪畫 抽象繪畫

抽象藝術一般被理解為一種不描述自然世界的藝術,反而透過形狀和顏色以主觀方式來表達。20世紀初期,

抽象藝術主要是指表達自然世界的藝術,譬如立體主義和未來派藝術。雖然奪取某事它不變的內在質量而不是由仿效它的外在表現。

抽象派被定義為沒有比喻現實參考的藝術。更廣闊的定義是以簡化但又可以保留原始自然的方式來描述真實題材。Joan Miro的抽象畫是這個更寬的定義一個好例子。

抽象藝術,特別是由抽象繪畫是現代藝術中一個非常突出的現象,他完全打破了藝術原來強調主題寫實再現的局限,把藝術基本要素,進行抽象的組合,創造出抽象的形式,因而突破了藝術必須具有可以辨認形象的籓籬,開創了藝術新的發展天地。

青綠山水畫

青綠山水是具有獨特風格的山水型,在古代繪畫藝術上占有重要地位,這種畫以青綠顏色為主,用筆工整,細筆重彩,色彩濃烈,富有生氣。在勾線內用石青石綠著色。色彩濃烈的叫大青綠山水,彩色淺淡些的叫小青綠山水,有用金彩勾勒山石紋理的,顯得畫面富麗堂皇,這種叫金碧山水。

水墨山水畫

明 張宏《浮嵐暖翠圖》 明 張宏《浮嵐暖翠圖》

水墨山水是唐代大詩人王維奠定的基礎,不用色彩,以墨的濃淡、乾濕,表現峰巒山石景色。王維屬傑出的詩人,又是山水畫家。他常把景色寫成詩,又把詩畫成畫,後人說他的詩中有畫,畫中有詩。到五代水墨畫又有了飛躍,開始用皴法表現效果,使山石更加雄偉壯麗。到明代徐渭的潑墨大寫意在水墨畫上發展了水墨的技巧把墨灑在紙上,幾筆畫就做到了揮灑自如。他的畫法對清代的石濤、朱耷(八大山人)影響很大。清代的鄭板橋就是受徐渭的影響。

白描畫

中國畫中完全用線條來表現物象的稱為“白描”。白描有單勾和復勾兩種。用線一次畫成的叫單勾。單勾有用一色墨勾成的,也有根據不同對象用濃淡兩種墨勾成的,例如花用淡墨勾,葉用濃墨勾。復勾是先用淡墨完全勾好,然後根據具體情況決定復勾一部分或全部。復勾的線不能依原路的線刻板地重疊地勾一道。復勾的目的是加重質感和濃淡的變化,使物象顯得更有神采。白描是用線條、用墨線濃淡、粗細、虛實、輕重、剛柔、曲直的表現技法。宋代李公麟,發揮了古代傳統繪畫線描作用,創造了白描技法。元代錢選、明代陳洪綬白描畫都很成功。

指畫

史前壁畫 史前壁畫

指畫又稱指頭畫,指畫至今已有300多年的歷史,是中國傳統繪畫一個旁支。指頭畫,一般不用或極少用毛筆。史書上記載得比較明確的創始人是清初康熙年間的高其佩。

界畫

史前壁畫 史前壁畫

在畫的一部分或大部分,用直尺畫墨線組成的畫。主要表現莊嚴雄偉的建築物,如宮殿,廟宇、樓閣、亭台等。五代時衛賢、元代郭忠恕達到了高峰。清代袁江、袁躍都是畫界畫的。

內畫

史前壁畫 史前壁畫

內畫,是我國一種特有的傳統工藝,它的產生起源於畫鼻煙壺。內畫的畫法是以特製的變形細筆,在玻璃、水晶、琥珀等材質的壺坯內,手繪出細緻入微的畫面,格調典雅、筆觸精妙。內畫藝術分為京、冀、魯、粵四大流派,其中尤以冀派內畫水平最高、規模最大、發展最快、影響最大,不久前已入選國家非物質文化遺產保護名錄,冀派內畫的發源地——河北衡水,還被文化部命名為“中國內畫之鄉”。

法國史前壁畫 法國史前壁畫

塗鴉手繪,也叫手工繪畫,或者塗鴉。在中國應該算是近些年新起的一行,大概2000年左右吧,如手繪鞋,手繪T恤,人形抱枕,手繪錢包等,都是主要的手繪對象。手繪即在原純色物品基礎上,根據產品的款式、面料以及顧客的愛好,畫師在鞋面上用專門的手繪顏料繪畫出精美、個性的畫面,在不影響產品使用性的基礎上,更增添其可觀性.如一雙鞋子的畫面,可以是漫畫卡通,真人素描,亦可以是風景、圖案或裝飾紋樣;可以是故事片段配上文字,亦可以是顧客自己的所愛圖片加真情告白.只要是可以繪畫的,基本都能在鞋面上呈現出來.簡單的說,鞋面上有手工繪畫畫面的鞋子就稱為手繪鞋。因為其手工性,比印刷品的工業機械性更具有欣賞價值;因為其繪畫性,比工業設計以實用為先更具有藝術價值。它借鑑了印刷品,但更多的靈感來自於畫家,它以工業設計並生產好的產品為載體,但並不為其左右,繪影手繪設計師可以盡情發揮。手繪鞋,因為是鞋,是商品,必然具有商品屬性,但是手繪鞋的價值又具有雙重性:一是鞋的價值;二是手繪的價值。因此,它的價格,就不能只用鞋子的價格來比較,還要考慮到手繪的價值。手繪鞋因其能夠充展現年輕人的個性和對藝術的追求,並極大滿足了現代人DIY的心理,又是一種新奇特的產品,從產生以來一直受到時尚年青人的追捧,在歐美、日韓、台灣等地颳起了“塗鴉文化”的鏇風,手繪品開始成為時代的新寵,並開始在中國的大型商場、手繪批發公司、專賣店裡面出現。

素描

繪畫賞析 繪畫賞析

素描,簡而言之就是單色畫。卻又不盡然,素描過程是同一時間要考慮許多問題的綜合思維活動。當今美術院校各專業都把它作為基礎課,雖然各專業的側重點不同,油畫重體積、調子,國畫重線條,版畫、設計重結構等;但素描的共性是差不多的。同時,素描作為獨立的藝術種類,自有其獨特的藝術價值。

理解多少就能表現多少

法國史前壁畫 法國史前壁畫

素描是很理性的,素描的過程是腦、眼與手高度結合的人的活動。大腦是總指揮,充實的理性顯得尤為重要;眼睛偏感性,生動、鮮活,但常常出現片面與誤差;手只是實現腦眼商量的結果的工具,只要聽話就行了,屬於技術類(當然還有其它工具)。所以大腦要不斷地學習與思考,只有思考才會有創新,會思考是人區別於動物的最大特徵。首先,要學美術史,了解美術的發展過程,了解諸大師獨特的成長過程、藝術理念、風格區別及技巧表達,經過不斷評判思考後才能給自己正確地定位,促使自己更好地發展,從而避免茫然失措和重複浪費;學習素描就不能不學習達·芬奇、米開朗基羅、拉斐爾、丟勒、魯本斯、康伯夫,僅僅知道契斯恰科夫是不夠的。解剖學、透視學誕生給素描注入了更多的科學理性因素,而解剖學、透視學這兩門學科就需要花時間精力去學習與掌握,比如:表現一個人,僅僅了解表面的輪廓起伏而不知道其下的骨骼構造、肌肉走向作用及視覺上的透視變形是不行的;每畫一條線、一個起伏都要能體現解剖學和透視學知識,這些內在知識能使素描作品更深刻、更完整。構圖知識使素描作品更趨於完美和個性化,更有畫面感、更有藝術性。對結構、特徵、比例、形體、朝向、節奏、對比、點、線、面等要素的熟練運用與駕馭,無疑對素描的充分表達起到深度與廣度的關鍵作用,幾何概念的把握與深入塑造技能又起到畫面的巨觀與微觀的調控作用。

基礎·能力·素質

法國史前壁畫 法國史前壁畫

素描是造型藝術的基礎,素描學習訓練的目的在於培養學習者正確的認識能力、觀察能力、造型能力、表達能力和審美能力,寬厚紮實的基礎已經成為進入藝術殿堂必備的素質,就如同高樓大廈的根基,厚實、深藏、無華;也像武術中的站樁功,站都站不穩,“功夫”也只是個花架子。初學者學習素描一定得沉住氣耐住寂寞,要能吃苦,要有難度意識,冰凍三尺非一日之寒,古人百步穿楊、庖丁解牛也非一日之功。素描作為一種繪畫形式,有其自身的藝術生命力,單憑“基礎”兩字已難以容納素描的全部意義,它不單是打基礎那么簡單。有時,培養良好的審美素質,可以為一生的藝術活動奠定基礎。

理論基礎

繪畫理論基礎知識形體的點、線、面我們所描繪的物體都是立體的,而最基本的形體是立方體、球形、柱體與椎體。素描寫生可從這四類形體出發,去研究主體構成的基本因素與形體塑造的關係。點表示位置,是形體塑造的標記,對於造型有著特定的數量意義。

先看位置點,找出它的基點與頂點、右點、左點、近點和遠點,這些點規定著物體的整體範圍和個面之間的大小比例關係。再看轉折點,這些點如同交通樞紐,聯繫著形體中的線與面。

基本功

基本功好,是不是就創造力強呢?答案是:一定。世界上很多優秀的藝術家的基礎功都很“紮實”。在中國,純技術人才已經不多見,這也可以說是我們基礎教育的一大通病。我們之所以要搞基礎教育,又要推進基礎教育的課程改革,主要是針對我們人才的基本功普遍低下這一致命問題的。我們不缺想像力,而且可以說世界領先,我們缺的是紮實的繪畫基礎。所以,處理好基礎教學與創造性思維的培養兩者之間的關係就顯得非常重要。有必要更新我們的創造觀,但是打基礎也不只是死記硬背、機械重複訓練,也可以是廣泛的閱讀、欣賞、見識、交流、合作、討論、調查、綜合、比較、懷疑、探究、想像、創造、逆向思維、發散思維、打破常規等,在日常學習生活中逐漸培養創造力。打素描基本功與訓練創造力應該是可以同步的,因為素描負載著全部有價值的藝術信息,也包含創造力,藝術的本質就是“技法”,回顧一下美術史就清楚∶只有具備紮實基礎的藝術家才能被記載。所以,要做個學藝上的勤奮人。

關於主動性

學習素描的主動性,一是指行動上的積極實踐,二是指思維上的勤於探索。二者合二為一,光說不練不行,光練不想也不行。我們常說某人學習很主動、作品很有想法,就有這意思。即使是初學素描,也不能純客觀地再現,一定要加入自己的主觀感受、理性理解和主觀處理。以通過學習素描來感受生活、認識藝術。要用自己的大腦來思考,要用自己的眼睛來看世界。主動性是一種學習狀態,一種會自覺尋求各種方式獲得知識、能力的方法,要珍惜利用書店、圖書館、網路、美術館、博物館等學習資源,不要太依賴你的教師,要能積極自修,勤於動腦,放眼世界,要會主動地對各種信息進行知識分類、歸納、批判、取捨。在多元中不迷失自己,在前進中不斷學習。

到位與拉開

“到位”的內容包括構圖、結構、特徵、形體、比例、朝向、節奏、力度等等,到位是一種基本功、一種能力,它同我們通常聽到的“準確”、“逼真”的意思並不完全相同。“到位”更多地是指主觀感受、藝術上的到位,層次要高一些,主觀的發展空間也大些,就是“真實”也只是藝術上的真實。“拉開”則是一種人文素質,一種主觀手段,“拉開”的內容包括∶藝術語言、形體特徵、黑白灰、主次、虛實、強弱、剛柔、濃淡、曲直、前後、疏密等,是更高意義上的簡化與歸納,它比“到位”又更加主觀、自由,是藝術家個體主觀能動性的精神表現,是一幅成功素描作品的重要指標,是風格的俗與雅、格調的高與低的主要區別所在。

“到位”與“拉開”,相當於客觀與主觀、描寫與表現、豐富與簡練的關係;它們對立統一、相互牽扯;過分的“到位”顯得沉悶、平庸,需要“拉開”來注入生氣與活力;過分的“拉開”又顯得花、碎、簡單,需要“到位”加以整合,難就難在如何掌握這個“度”,或者說“恰到好處”,適當的“過點”也並無壞處。

黑白灰

這裡強調“黑白灰”概念的重要性,完全是出於多年經驗的明證,因為它的確給我及眾多學生帶來許多好處。將素描或者所有色彩的學習、設計、創作中導入“黑白灰”概括手法,特別對於初學者將有事半功倍好的效果。具體的操作是:將表達的物象,不管有多複雜、多凌亂,在明度上都把他(它)們概括歸納為畫面黑白灰三大塊,這是一種對巨觀整體的主觀把握和有序組織,而任何一塊又包涵許多層次(調子、體面),只是它們必須在“黑”、“白”或者“灰”的絕對統治之下;一般“灰”塊的層面較為豐富,“黑”塊的層面較為簡練,三大塊各自的面積具體而定,但必須得有。這樣就可以很容易地克服畫面的“灰”、“亂”、“髒”等初學者常見毛病,從而使作品的畫面結構更加有力、層次更加分明、組織更加有秩序。

“黑白灰”是一種對畫面主動的整體把握與控制,它的意義可能還會更多。。

重視修改

這裡的“修改”類似於一般意義上的調整,所不同的是:調整大都基於常規的循序漸進,而“修改”則是基於主動表現中的果敢、直乾;因為敢畫、敢錯,才有“修改”的必要;而每一次的“修改”都是一次思索、進步的過程,有時大刀闊斧的“修改”竟是一種升華、或是一種起死回生。因此,不用怕髒、不用過分地小心謹慎,要敢做敢為;不用擔心留有改過的痕跡,這痕跡應該是前進的足跡。

“修改”是一種腳踏實地的學習態度,一種自信進取的學習探索。初學者常常一錯就重來,總想立竿見影、急功近利、一鳴驚人,卻不知是一種浮躁的表現。

中國繪畫史

北宋 郭熙《早春圖》 北宋 郭熙《早春圖》

中國的繪畫工藝十分古老,可以上溯到原始社會的新石器時代,距今至少有七千餘年的。最初的中國繪畫,是畫在陶器、地面、和岩壁上的,漸而發展到畫在牆壁、絹、和紙上。使用的基本工具是毛筆和墨,以及天然礦物質顏料。在無數畫家不斷探索、創新的努力之下,逐漸形成了鮮明的民族風格和民族氣派,並有著自己獨立的繪畫美學體系。照這么說中國工藝也十分古老,也可稱之史前繪畫。

中國繪畫的歷史最早可追溯到原始社會新石器時代的彩陶紋飾和岩畫,原始繪畫技巧雖幼稚,但已掌握了初步的造型能力,對動物、植物等動靜形態亦能抓住主要特徵,用以表達先民的信仰、願望以及對於生活的美化裝飾。

先秦繪畫己在一些古籍中有了記載,如周代宮、明堂、廟祠中的歷史人物、戰國漆器、青銅器紋飾,楚國出土帛畫等,都己達到較高的水平。

秦漢王朝是中國早期歷史建立的中央集權制大國,疆域遼闊,國勢強盛,絲綢之路溝通著中外藝術交流,繪畫藝術空前發展與繁榮。尤其是漢代盛行厚葬之風,其墓室壁畫、畫像磚、畫像石,以及隨葬帛畫,生動塑造了現實、歷史、神話人物形象,具有動態性、情節性,在反映現實生活方面取得了重大成就。其畫風往往氣魄宏大,筆勢流動,既有粗獷豪放,又有細密瑰麗,內容豐富博雜,形式多姿多彩。

明 唐寅《落霞孤鶩圖》 明 唐寅《落霞孤鶩圖》

魏晉南北朝時期,戰爭頻仍,民生疾苦,但是繪畫仍取得了較大的發展,苦難給佛教提供了傳播的土壤,佛教美術勃然興起。如新疆克孜爾石窟,甘肅麥積山石窟,敦煌莫高窟都保存了大量的該時期壁畫,藝術造詣極高。由於上層社會對繪事的愛好和參與,除了工匠,還湧現出一批有文化教養的上流社會知名畫家,如顧愷之等。這一時期玄學流行,文人崇尚飄逸通脫,畫史畫論等著作開始出現,山水畫、花鳥畫開始萌芽,這個時期的繪畫注重精神狀態的刻畫及氣質的表現,以文學為題材的繪畫日趨流行。

隋唐時國家統一,社會相對穩定,經濟比較繁榮,對外交流活躍,給繪畫藝術注入了新的機運,在人物畫方面雖然佛教壁畫中西域畫風仍在流行,但吳道子、周昉等人具有鮮明中原畫風的作品占了絕對優勢,民族風格日益成熟,展子虔、李思訓、王維、張繰等人的山水畫、花鳥畫己工整富麗,取得了較高的成就。

在中國,繪畫的真實性在12世紀宋朝時已發展到高峰,尤以郭熙的早春圖為寫實主義的巔峰,以後就開始轉向主觀情趣的抒發,自王維被盛讚詩中有畫,畫中有詩後,文人畫悠久的傳統便延續至今。又自北宋後,中國繪畫漸趨注重筆墨情趣的形式主義,舉例而言文徵明的畫即意不在山水的描繪,而是藉由山水來堆砌各種運筆的手法。到15世紀的明朝末年,清朝初期時,畫家已經開始向表現自我方向轉化,不注重客觀世界的描繪,而是,八大山人、揚州八怪等都有很強的自我風格,而不再計較再現自然的真實性。

明 張宏《村徑柴門圖》 明 張宏《村徑柴門圖》

五代兩宋之後,中國繪畫藝術進一步成熟完備,出現了一個鼎盛時期,朝廷設定畫院,擴充機構編制,延攬人才,並授以職銜,宮廷繪畫盛極一時,文人學士亦把繪畫視作雅事並提出了鮮明的審美標準,故畫家輩出,佳作紛呈,而且在理論上和創作上亦形成了一套獨立的體系,其內容、形式、技法都出現了豐富精采、多頭髮展的繁榮局面。

繪畫發展至元、明、清,文人畫獲得了突出的發展。在題材上,山水畫、花鳥畫占據了絕對的地位。文人畫強調抒發主觀情緒,“不求形似”、“無求於世”,不趨附大眾審美要求,借繪畫以示高雅,表現閒情逸趣,倡導“師造化”、“法心源”,強調人品畫品的統一,並且注重將筆墨情趣與詩、書、印有機融為一體,形成了獨特的繪畫樣式,湧現了眾多的傑出畫家、畫派,以及難以數計的優秀作品。

中國繪畫是中國文化的重要組成部分,根植於民族文化土壤之中。它不單純拘泥於外表形似,更強調神似。它以毛筆、水墨、宣紙為特殊材料,建構了獨特的透視理論,大膽而自由地打破時空限制,具有高度的概括力與想像力,這種出色的技巧與手段,不僅使中國傳統繪畫獨具藝術魄力,而且日益為世界現代藝術所借鑑吸收。

學習方法

從嚴格意義上講,學習繪畫之初要先從學習素描開始,一般從石膏幾何體、靜物、人物石膏像、結構、人物頭像等這樣循序漸進的學習方過程,但是我們很多初學者沒有這種條件,有的考生臨時“抱佛腳”,在沒有接觸基礎訓練時,直接畫人物頭像,這樣的學生往往不可能畫得好。培養正確的學習方法,也就是建立在對物體的深入理解上。我們畫素描要懂得素描的基本要素,如形體、比例、結構、明暗調子、質量感和空間感等。這些名詞看起來好像不難,但具體的操作確實是很不容易的。這裡我們先來理解一下頭部的形體結構及比例。頭部的形體,從整體上可以概括成一個卵形或立方體或楔形,進一步分析知道顱骨象球形,額骨呈扁方形,額骨之下至下頷骨底的正面呈倒梯形,下大上小的梯形體的鼻子豎於其間。頭部的比例有“長三停、橫五眼”。這是對頭部一般規律的總結,但是個體之間還存在著一定的差異。

面對一個模特,初學者可能在短時間內也可完成一幅肖像,但畫面簡單空洞,需要多加練習,而受過良好素描訓練的人卻可表現得深入而豐富。因為視覺上的敏感不同,感覺到的內容就會有差異,後者可以抓住物體的本質,在表達中能夠概括簡潔、明確肯定地表達對象,在短時間裡抓住對象的最基本的特徵,培養敏銳的觀察方法。

整體意識

整體意識的建立在繪畫領域中是一個很重要的因素,對學生將來的繪畫發展產生很大的影響。無論是從事何種繪畫創作,都要涉及這個問題。整體是相對局部而言,局部是整體的一部分,局部存在於整體之中,而整體通過局部得到體現。對於初學者來說,一方面是加強對整體意識的理解,另一方面是在觀察和表現中關注整體關係,克服注意力局限在某一個點上的不良習慣。例如在畫一個頭像時,必須整體地觀察對象,如畫眼睛時要考慮到和耳朵或鼻子之間的關係,而不能孤立地畫眼睛,陷入局部,必須相互對比,要把它們有機地聯繫起來。整體存在於造型的各種因素里,從輪廓到色調,從形體表現到空間表現無處不在。培養整體意識可從觀察事物入手,多觀察多比較,這樣才能明確各個事物之間的關係,以便更好地把握整體。從整體到局部、從局部再到整體,貫穿於整個作畫的過程中,反覆比較,培養局部與整體關係的能力,建立良好的整體意識。

體積意識

把握形體、表現體積感和空間感,是基礎素描另外一個重要因素,不但要明確物體的形狀、比例、大小,同時還要克服平面描繪,對造型要有最基本的理解和掌握。沒有體積空間意識,就不能養成對體積空間的觀察習慣,更不能表現好空間關係。對空間的表現是繪畫的基本能力。如:人物頭部在正面時眼睛和耳朵在同一方向,初學者往往表現不出它的空間感,沒有空間感就表現不出體積感。“方形”和“方塊”是不一樣的,方形是一個平面,而方塊是一個體積。所以應該建立空間意識來表現物體的體積的能力。

表現力在素描教學中是很關鍵的。有了敏銳的觀察力,還要建立整體意識和體積空間意識,因此要實現這些還需要有表現的能力。素描是表現或再現對象的最基本的繪畫形式。素描作為學習繪畫的方法和手段,必須掌握形體構成因素和結構,理解光影色調,理解邊緣輪廓線和明暗交界線,以及對節奏的感受。素描相對色彩而言更具理性,特別是基礎素描的訓練。用理性指導觀察,用觀察豐富理性,把素描建立在理性的認識上,從而達到素描的完整性。

以上就素描教學中的一些較為突出的要點進行分析理解。繪畫是一門技巧課,必須從實踐中獲得飛躍。所以動手實踐是非常重要的,有了量的積累,才能得到質的飛躍。打好堅實的素描基礎才能考出理想的成績

繪畫是一種在 二維的平面上以手工方式臨摹自然的藝術,在中世紀的歐洲,常把繪畫稱作“猴子的藝術”,因為如同猴子喜歡模仿人類活動一樣,繪畫也是模仿場景。在20世紀以前,繪畫模仿得越真實,技術越高超。不同的畫家風格不同,也有不同的藝術價值。20世紀初,有些畫家的風格因評畫者不能接受而被冷落甚至貶低,這就是為什麼有些畫家畫的很好而並不出名或甚至被凍死、餓死的緣故。

油畫及水彩畫是西方文化藝術中知名度最高的繪畫門類,它們在風格和主題上有豐富且複雜的傳統。在東方,黑色及彩色的水墨畫則主導了繪畫媒體的選擇,但是它在風格和主題上和西方一樣同樣有著豐富且複雜的傳統。

成人聯考專業

培養目標

繪畫成人聯考專業培養具有一定的馬克思主義基本理論素養,並具備繪畫藝術創作、教學、研究等方面的能力,能在文化藝術領域、教育、設計、研究、出版、管理單位從事教學、創作、研究、出版、管理等方面工作的高級專門人才。

主要課程

中國美術史、西方美術史、藝術概論、人體素描、色彩、繪畫材料分析、油畫人體、寫意花鳥、人物白描、透視、藝用解剖、創作

報考條件

1、專科起點本科:須具有國民教育系列大專及大專以上學歷,年滿18周歲;

2、高中起點本科:須具有高中、職業中學、中等專業學校畢業證書,年滿18周歲;

3、高中起點專科:須具有高中、職業中學、中等專業學校畢業證書,年滿18周歲;

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